Pasmos Filtrados

Finish it

2007-10-23T19:38:00.000+01:00

A todos os Familiares da Blogosfera: Muito Obrigado! Encerro este espaço, pois o futuro reserva outras prioridades. Acima de tudo, este recanto foi concebido como estância terapêutica e toda a seiva que tinha para me nutrir… estancou. Dou graças por este período inefável.

Ficam as recordações de mimos suplementares e os sorrisos que desenhei em TEU rosto. Por TI subsisti. Para TI escrevi. Em TI renasci. Amo-TE!

Estou contigo

Estás comigo

Está tudo bem

Momento Zen

2007-10-22T09:04:00.000+01:00

A transcendência redentora da Morte

2007-10-20T08:22:00.000+01:00

“Au Hasard Balthazar”

“Mouchette”

“Au Hasard Balthazar” e “Mouchette” são duas obras imensas de Robert Bresson, imersas num sofrimento tão infernal que apenas a Morte poderá exorcizar. As figuras centrais nos respectivos filmes são um animal (Balthazar) e uma criança (Mouchette), mas ambos convergem no estudo da santidade, na exploração das experiências de um inocente derramado num mundo ímpio e na revelação da desumanidade geral através da concentração na dor individual. Sempre munido com o seu estilo elíptico de filmar, Bresson fragmenta espaços (e corpos no espaço), combinando elementos minimalistas para expandir significados no receptor. Uma das suas estratégias mais discutidas é a utilização de actores (aos quais chamava modelos) sem experiência interpretativa e com uma expressividade neutra, sendo o burro Balthazar o seu exemplo-mor. Magistralmente, este engenho cria receptáculos vazios nos quais poderemos verter os nossos sentimentos, conjecturas, aflições e principalmente, ânsias espirituais. Ele gera ausências para que as possamos preencher com as nossas projecções, testando as nossas próprias reacções. O Cinema tem muito para comunicar e por vezes a linguagem que utiliza não requer apenas atenção. A sua assimilação requer paixão. Bresson desbravou novos caminhos e dilatou o vocabulário cinematográfico, mas na sua essência, o seu Cinema pinta sentimentos. Mouchette representa muitos de nós, seres incompletos e incapazes de articular a dor, suspirando pela expurgação da miséria de uma existência circunscrita aos anéis de um inferno interior. Deambulando sem direcção num longo calvário, que todos consigamos encontrar no fim, como Balthazar, um local de paz… o nosso Santuário.

Não uso velas... prefiro um Farol

2007-10-19T08:12:00.000+01:00

Parabéns!

Encomendado!

2007-10-18T08:10:00.000+01:00

Esta obra de culto do mestre da Linguagem das Sombras, F.W. Murnau, nunca esteve disponível, em qualquer formato, com a composição musical original de Hans Erdmann incluída. Mas para agraciar a cinefilia, o dia 19 de Novembro marca o lançamento do DVD com a versão completamente restaurada de “Nosferatu, eine Symphonie des Grauens”. Esta preciosidade até inclui na capa o magnífico cartaz de Albin Grau!

Suprema ironia

2007-10-17T08:35:00.000+01:00

Na montagem final do seu novo filme, “Redacted”, Brian De Palma exibe fotos reais da Guerra do Iraque, mostrando soldados e vítimas do conflito. No entanto, devido a uma recente imposição do estúdio, o realizador terá de cobrir com faixas pretas os rostos das pessoas presentes nas imagens. Segundo a companhia que impôs a censura (Magnolia Pictures), a mudança foi exigida para evitar problemas financeiros e legais. De Palma manifestou que a sua maior frustração foi ter de alterar o filme, apesar dos produtores lhe terem garantido inicialmente a utilização das fotos sem censura. A suprema ironia de tudo isto reside no facto do próprio filme estar a ser “editado para publicação”, como sugere o seu título: “Redacted”.

Não vês por onde andas?

2007-10-16T08:31:00.000+01:00

(Extraído de “Foutaises”, curta-metragem de Jean-Pierre Jeunet)

Beijo... te

2007-10-15T08:37:00.000+01:00

"I'm a Cyborg, But That's OK", de Park Chan-wook

I'm a Cyborg, but That's OK

2007-10-13T08:19:00.000+01:00

Para muitos, o manicómio não passa de um caixote do lixo da sociedade que serve para remover as frutas podres do pomar humano, deixando-as apodrecer bem longe, como se de criminosos se tratassem. O novo filme de Park Chan-wook também será desprezado por muitos, mas pessoalmente… abraço-o com inexaurível estima! Estilhaçando noções estereotipadas, Park oferta uma peculiar história de Amor entre uma rapariga que julga ser um cyborg e um rapaz que acredita poder roubar habilidades e sentimentos de outras pessoas. Neste filme, Park continua a escrutinar a natureza humana, mas o fio condutor da sua filmografia é o caminho para a Salvação. Apresentando-nos personagens que aparentam insanidade, mas que se encontram firmadas num apurado sentido de Identidade, não estará o autor sugerindo que o reconhecimento identitário se afigura como um dos caminhos para a Salvação? Ao penetrar no mundo de fantasia destes pacientes, Park foca-se na conexão das suas crenças, abrindo as portas das suas próprias realidades para que sintamos o desabrochar de um Amor que assenta na compreensão da personalidade do ente amado. Os dois protagonistas compreendem o universo do próximo, demonstram consideração pelo mesmo e entram no reino do respectivo. Este é o poder miraculoso do Amor. Todos possuímos um mundo interior que poucos conseguem sequer imaginar e quando surge alguém com as chaves desse refúgio, ficamos vulneráveis perante uma deflagração de sentimentos inebriantes. O Amor está na poesia que embala o coração, aconchegando-o na sensibilidade da esperança. Viver um Amor significa estabelecer uma cumplicidade mútua baseada na capacidade de doar incondicionalmente e vivenciar a diversidade na unidade. O ambiente deste filme é de difícil assimilação para alguns, mas no seio desta atmosfera extravagante, Park Chan-wook imprime uma mensagem deveras Humana. A comunicação é o elemento chave para a compatibilidade. Tal como demonstra no emblemático final, o propósito da nossa existência encontra-se muitas vezes ao nosso lado. Mais do que olharmos nos olhos do outro, Amar é olharmos juntos na mesma direcção.

Sinto falta de Jeunet...

2007-10-12T08:16:00.000+01:00

“Delicatessen”

“La Cité des Enfants Perdus”

“Alien: Resurrection”

“Le Fabuleux Destin d'Amélie Poulain”

“Un Long Dimanche de Fiançailles”

Longa será a espera por “Life of Pi”...

The Imaginarium of Dr. Parnassus

2007-10-11T08:12:00.000+01:00

Este será o título do próximo filme de Terry Gilliam. O projecto já se encontra em pré-produção e sabe-se que a história gira em torno de um imortal contador de histórias, que viaja pelo mundo espalhando seus contos numa espécie de teatro itinerante. O argumento estará a cargo do próprio Gilliam e de Charles McKeown, com quem colaborou no sublime “Brazil” e em “The Adventures of Baron Munchausen”. Do elenco fazem parte Heath Ledger, que participou em “The Brothers Grimm”; Christopher Plummer, que surge em “Twelve Monkeys”; Tom Waits, o músico distinto que marca presença em “The Fisher King” e que canta “The Earth Died Screaming” em “Twelve Monkeys”; e ainda Lily Cole, uma modelo que aparenta ter sido materializada directamente da criação de um Mangaka (desenhador de Manga) e que também participará no filme de Marilyn Manson, “Phantasmagoria: The Visions of Lewis Carroll”.
A imagem acima exposta é um excerto da arte conceptual do Imaginarium. Para uma reprodução bem mais detalhada, basta clicar na respectiva.

Sentir...

2007-10-10T08:12:00.000+01:00

Amar...

Ikiru

2007-10-09T08:28:00.000+01:00

No final de “Ikiru”, o apoiante de Watanabe luta momentaneamente com a sua consciência, até ceder, submergindo numa enxurrada de papéis. Quantos seres humanos vivem completamente imersos na evolução das suas carreiras, desmazelando a evolução da própria Vida? Quando a lógica quotidiana se instala e drena grande porção da nossa energia inata, a maioria das almas arde para todo o sempre. Viver é sublimar a existência com litígios diários pela transcendência do corpo, pela genuína satisfação da mente e pela exploração das sensibilidades que elos emocionais nos poderão transmitir. Akira Kurosawa sempre demonstrou virtuosidade em lidar questões humanas com imaculada percepção e experimentar seus filmes é como marcar presença em aulas profícuas de arte narrativa. É um regalo cinéfilo vê-lo questionar o significado existencial de um punhado de personagens, trabalhando suas nuances com sofisticada probidade. Kurosawa transcendeu quaisquer diferenças culturais entre o oriente e o ocidente para legar ao universo da Sétima Arte uma dissertação majestosa sobre temas universais como a Vida, a Morte e a mesquinhez do poder. Intemporal… pungente… Humano!

O poder simbólico de um início

2007-10-08T09:53:00.000+01:00

“Vertigo”, de Alfred Hitchcock

“Munich”, de Steven Spielberg

Os mimados e os bastardos

2007-10-06T08:14:00.000+01:00

Em “Planet Terror” de Robert Rodriguez pululam rostos deformados e mais atestados de bolhas que num jovem imberbe, em pleno estágio nos torvelinhos da adolescência. Que fique bem claro, o filme é um verdadeiro festim para os fãs de série B e Z, mas após alguns momentos de diversão, pouco ou nada sobra. A artificialidade com a qual Rodriguez celebra e recapitula este género de filmes é tão deliberada que se torna enfadonha, encolhendo o produto numa carapaça à prova de crítica, graças a um mecanismo de defesa descarado e insolente que assenta numa sobredosagem de auto-consciência irónica. Tudo fede em demasia a falsidade. Se o gore é levado ao extremo, a vertente libidinosa deste género foi manipulada com demasiada timidez, limitando-se ao terreno do erotismo mais softcore. Se Tarantino tinha imitado quase na perfeição a textura visual destes filmes, a deterioração da imagem do filme de Rodriguez resulta de forma digitalizadamente postiça. É certo que o objectivo do pacote “Grindhouse” não era recuperar um tipo de Cinema, mas reviver um tipo de ida ao Cinema. Todavia, se o valor desta tradição inserida no actual panorama cultural é nulo, os cifrões gastos no projecto fazem o produto tresandar a fraude. Qual a relevância desta obra? Será tudo um mero passatempo de filhotes mimados, que se recreiam com réplicas bem mais dispendiosas dos brinquedos rançosos dos filhos bastardos do Cinema?

Levitar com Tarkovsky

2007-10-04T08:38:00.000+01:00

A sua narrativa flutua numa atmosfera de ambiguidade e quando negligenciamos a respectiva lógica, conseguimos fluir pelo curso esplendoroso do seu trabalho artístico. Apesar dos contornos amorfos que adquirem sob o olhar de uns quantos, as imagens de Tarkovsky encontram-se prenhas de fogosidade poética, irrompendo em labaredas de beleza e pura excelência.

Porque escrevo este pequeno parágrafo sobre o Mestre russo? Porque deslumbrado, ao rever pela enésima vez “Zerkalo”, constato uma verdade insofismável: o plano-sequência no qual se enquadra este fotograma é um dos mais bem conseguidos da história da Sétima Arte. Transcendental.

L’Argent

2007-10-03T12:52:00.000+01:00

«Acabámos sem alguma vez termos discutido.»

Será ele um louco alienado ou uma vítima em busca de uma inocência perdida?

«Se fosse Deus, perdoaria toda a gente.»

Será ela uma louca turvada pela sua conduta benevolente ou uma santa que ilumina com uma graça efémera uma alma condenada?

Bresson… o cineasta da evolução e devolução espiritual do Ser Humano.

"Wall-E" – o novo teaser

2007-10-02T10:29:00.000+01:00

Este é outro daqueles projectos que me conquista bem antes do seu lançamento. O novo trailer para o próximo filme da Pixar pouco acrescenta ao que o primeiro teaser apresentava, mas a brincadeira do pequeno robot com Luxo Jr, o candeeiro presente no logotipo da Pixar, é inestimável. O filme tem estreia agendada para o próximo ano e para acederem ao respectivo teaser, cliquem na imagem.

How could I forget about you?

2007-10-01T08:13:00.000+01:00

You’re the only one I really know.

"The Bourne Ultimatum", de Paul Greengrass

2007-09-28T08:32:00.000+01:00

Class.:

Cinema Red Bull

Cinco anos após Doug Liman ter introduzido ao mundo da Sétima Arte o assassino que sofre de amnésia Jason Bourne, Paul Greengrass remata de forma absolutamente perfeita a trilogia inspirada no bestseller de Robert Ludlum. A seguir à conclusão de “The Bourne Supremacy”, Greengrass fez um interregno para dirigir o simplesmente soberbo “United 93”. A crueza pura e dura imprimida no retrato dos malogrados eventos promoveu finalmente uma aclamação quase unânime do seu trabalho artístico. Mas tal como a bebida estimulante que menciono no cabeçalho deste comentário, o travo que este cineasta deixa no palato cinéfilo de alguns é extremamente ácido, estranho e enjoativo. Toda a ansiedade que escorre da projecção de Ultimatum, fervilhando de forma alarmante nas nossas próprias veias, é inteiramente necessária. As explosões de energia que se propagam ao longo do filme reflectem a premência de Bourne, uma personagem que persegue pelas artérias urbanas internacionais a sua própria Identidade. Poucos filmes combinam uma atmosfera tão densa quanto excitante e contam-se pelos dedos de uma mão as sagas cinematográficas que chegam ao seu epílogo com o vigor intacto e seus propósitos afinados. “The Bourne Ultimatum” triunfa no altear dos desafios da trilogia, no frenesim de uma acção praticamente irrespirável, no desenvolvimento das personagens anteriormente exploradas e na introdução de novos vilões. É uma jornada cinética que respeita a inteligência da audiência graças ao seu argumento escorreito, ao seu corajoso compasso moral, à impecabilidade das suas interpretações e à excitação proporcionada pelo espectacular trabalho de duplos. O desempenho de Matt Damon na pele de Jason Bourne é nada menos que magnético, conciliando instintos assassinos com um sentido tangível de decência. Perpassa pelos contornos do seu rosto uma inocência trágica que combina na perfeição com a urgência estóica do seu olhar.

“The Bourne Ultimatum” é o exemplar filme de acção, com uma alma tão genuína que não se deixa pixelizar. Conclusão de uma saga que alberga um profundo subtexto, irrigado em elementos metafóricos como a água que abre e conclui a trilogia, num relance meditativo sobre a possibilidade de redenção e renascimento. A câmara de Greengrass gera uma sensação de movimento perpétuo tão fluido quanto as acções de Bourne, elevando incomensuravelmente os níveis de adrenalina e realçando com sua estética peculiar os nervos da estrutura temática da sua obra e respectiva colisão de filosofias sobre a venda da segurança mediante a remuneração da liberdade de individualidades que gravitam em cenários contemporâneos de totalitarismo. Esta Arte de filmagem reflecte a tensão e os níveis de consciência que imergem a personagem em questão, colocando o sujeito expectante numa equivalência de estado mental que tenta sorver o máximo das torrentes de informação visual que Jason Bourne tenta fundir para alcançar um nexo definitivo. Nesta dinâmica refinada de acção com gravidade, trajectória, sentido de história e personagem, existe ainda lugar para consciência política e para uma invulgar introspecção humana. É um conto emocionalmente honesto sobre o regresso a casa do soldado do século XXI, com repercussões transcendentais numa era em que anciãos do poder global apunhalam idealismos da juventude, enviando seus pupilos para guerras que não podem vencer. Camuflada sob a roupagem de filme de Acção, esta obra resulta de forma sublime como exploração das consequências que o nosso mundo enfrenta, quando a liberdade individual é cada vez mais considerada um privilégio em vez de um Direito Humano fundamental.

"Barry Lyndon" e seus zooms

2007-09-27T08:57:00.000+01:00

Um desses zooms começa aqui…

… e termina aqui!

Kubrick... o Mestre perfeccionista do Cinema.

Curiosidade de pacote de cereais

2007-09-26T09:20:00.000+01:00

Nicholas Ray sentiu muito a morte de James Dean, mas um dos seus actores preferidos e ídolo do próprio Dean optou por soltar um comentário venenoso naquela atmosfera de lamentações. Humphrey Bogart disse: «James Dean morreu exactamente no momento certo. Se tivesse vivido, não teria conseguido fazer jus à imagem e à lenda criada pelos agentes de publicidade da Warner».

Hotel Chevalier

2007-09-25T08:39:00.000+01:00

Quando o novo filme de Wes Anderson, “The Darjeeling Limited”, começou a ser produzido, comentou-se que a actriz Natalie Portman estaria incluída no elenco. Na realidade, juntamente com Jason Schwartzman, ela protagoniza “Hotel Chevalier”, curta-metragem do próprio Anderson que serve como prelúdio de “The Darjeeling Limited”. A curta tem sido anexada às cópias do filme na sua rota festivaleira, mas amanhã já se deve encontrar disponível no iTunes.

Beijo... te

2007-09-24T09:14:00.000+01:00

“Three Times”, de Hou Hsiao-hsien

Diante da finitude

2007-09-22T08:10:00.000+01:00

“The Fountain”, de Darren Aronofsky

“Ikiru”, de Akira Kurosawa

“The Fountain”, de Darren Aronofsky

“Ikiru”, de Akira Kurosawa

“The Fountain”, de Darren Aronofsky

“Ikiru”, de Akira Kurosawa

“The Fountain”, de Darren Aronofsky

“Ikiru”, de Akira Kurosawa

There's Only One Sun

2007-09-21T09:16:00.000+01:00

Wong Kar-wai faz-me muita falta! Sinto necessidade de novas manifestações imagéticas da sedução e beleza hipnótica que enleia suas criações. Mas enquanto não chega a terras lusas o seu “My Blueberry Nights”, sossego ligeiramente minha ânsia nos 10 minutos da curta que criou para o novo televisor da Philips: Aurea.
Cliquem na imagem.

Mashup #14

2007-09-20T09:05:00.000+01:00

Alguém teve a hilariante ideia de imbuir o genérico dos Simpsons com personagens “Star Wars”.
Cliquem na imagem.

Difundir este maravilhoso conto

2007-09-19T09:15:00.000+01:00

Às 18h30m da próxima sexta-feira, será lançado na Casa da Animação (Porto) um livro baseado na curta-metragem de animação de Regina Pessoa, “História Trágica com Final Feliz”. O pacote incluirá um DVD da curta-metragem, com a duração de sete minutos e 46 segundos, e também uma caixa de brinquedos ópticos com oito elementos, com imagens do filme e outras em branco, para que as pessoas possam criar as suas próprias animações. A realizadora, que marcará presença no lançamento, justificou o livro com as seguintes palavras: «Como o filme tem imagens tão bonitas achei que valia a pena colocá-lo noutro suporte. Assim, mais pessoas têm acesso à história». Para quem ainda não sabe, “História Trágica com Final Feliz” é provavelmente o filme português mais premiado de sempre (45 galardões até ao momento), havendo conquistado em 2005, o Grande Prémio do Festival de Annecy, o mais importante certame de animação do mundo.

O Sabor da Melancia

2007-09-18T08:58:00.000+01:00

Uma seca terrível e um Verão rigoroso assolam a cidade de Taipé, capital de Taiwan. Recém-chegada de França, a jovem Shiang-chyi encontra algumas mudanças no local e a nova mania para combater o calor: melancia. Abundante no local, a fruta serve também como alimento afrodisíaco, despertando desejos em Hsiao-kang, um rapaz por quem se apaixona. O que ela desconhece é que nas horas vagas, ele assume a profissão de actor porno. Tsai Ming-liang é um realizador que provoca indigestões em diversas plateias, mas se é certo que “O Sabor da Melancia” apresenta a sua temática das consequências sociais de comportamentos da modernização, também não deixa de ser verdade que este filme não representa um dos seus melhores trabalhos. Todavia, a memorável cena final que muitos irão rejeitar, mais do que uma transgressão surrealmente erótica, representa para mim uma expressão de Amor que se insere perfeitamente no contexto de Tsai Ming-liang. Uma reformulação de elementos apresentados ao longo do filme, num extravagante momento de conexão.

Once

2007-09-17T08:06:00.000+01:00

É raro apaixonar-me por um musical. Até a versão recente e amplamente elogiada de “Hairspray” me passa completamente ao lado. Todavia, existem sempre excepções. E neste caso particular, existe um filme que me enamorou com sua premissa e respectivo trailer: “Once”. Trata-se de um filme independente de John Carney, que venceu o Prémio do Público no Festival de Sundance do presente ano. “Once” é descrito como um romance musical que evita convenções ao narrar o encontro de um músico de rua e de uma imigrante checa, que durante uma semana escrevem, ensaiam e gravam canções que revelam a sua peculiar história de Amor.
Para compreenderem (talvez) melhor esta minha recente paixão, cliquem na imagem acima exposta.

Filmar Acção, segundo Greengrass

2007-09-15T08:09:00.000+01:00

Na minha humilde opinião, a trilogia de Jason Bourne, baseada no bestseller de Robert Ludlum, é um marco do Cinema de Acção contemporâneo. Neste plano prodigioso de “The Bourne Supremacy”, uma câmara em punho filma o vidro traseiro do interior de um carro. Vislumbrando o subjectivo na relação espectador-imagem, somos sugados para o interior do veículo, participando na perseguição. Paul Greengrass preserva aqui a integridade de espaço.

Com um movimento Chicote (Whip Pan), a câmara faz-nos percepcionar a nossa localização. Encontramo-nos no banco do passageiro. Somos o Passageiro.

Bourne atenta pelo vidro retrovisor o movimento dos carros que o perseguem, ignorando a estrada que intersecta à sua frente e que surge no nosso campo de visão enquanto passageiros.

Subitamente, vemos um carro policial em plena derrapagem, no exacto momento em que Jason tenta olhar para trás, pois a sua atenção prende-se na acção que decorre na cauda do veículo.

O impacto é súbito, imediato e o choque resulta de forma lógica e natural, como o movimento de agitação da câmara que traduz a reacção do passageiro (nós), magnificando a experiência. Tudo isto numa fracção de 3 segundos!
Brilhante!

Perdidos (?)

2007-09-14T08:22:00.000+01:00

“Donnie Darko”, de Richard Kelly

“Gerry”, de Gus Van Sant

"Youth Without Youth" - teaser

2007-09-13T09:03:00.000+01:00

Assombra. Intriga. E quando nos conduz ao ponto em que desejamos mais e mais… sentencia com uma frase: «We are running out of time». Este é o verdadeiro conceito de teaser. Finalmente temos uma amostra da primeira longa-metragem do mestre Coppola numa década. Uma história de Amor embrulhada num mistério assente no período da Segunda Guerra Mundial, onde um tímido professor é abalroado por um evento cataclísmico que o leva a explorar os mistérios da vida. O filme tem estreia agendada para o próximo mês de Outubro, durante a segunda edição do Festival de Cinema de Roma.

Para assistirem ao teaser, cliquem na imagem acima exposta e escolham o formato que desejarem.

"Southland Tales" - poster

2007-09-12T09:08:00.000+01:00

O filme está finalmente concluído. O cartaz final é verdadeiramente maravilhoso, ilustrando toda a complexidade que deve perpassar pela película. E a sua estreia está agendada para 9 de Novembro.

"Love in the Time of Cholera" - poster

2007-09-12T09:04:00.000+01:00

Com o romance que está na origem deste filme, Gabriel García Márquez forjou um amor excessivo, total, desafiando os limites do corpo, do coração, de convenções sociais e do próprio tempo. O responsável pelo argumento adaptado é Ronald Harwood (“The Pianist”). Javier Bardem e Catalina Sandino Moreno marcam presença no elenco. E na cadeira de realizador encontramos Mike Newell, autor de “Donnie Brasco” e dessa preciosidade algo olvidada, “Enchanted April”. O filme estreia nos Estados Unidos a 16 de Novembro.

Ainda sobre leões...

2007-09-11T10:07:00.000+01:00

Mais do que salientar o Leão de Prata que Brian De Palma arrecadou com a realização de “Redacted”, torna-se incontornável assinalar o seu 67º aniversário. Porque não me surpreende assim tanto que sua data de aniversário se situe a 11 de Setembro? Até “Sisters” (1973) tinha vários vislumbres das Torres Gémeas inacabadas…
O seu Cinema é assente no voyeurismo da própria morte. Com uma estética inquieta e impetuosa, expõe panorâmicas, travellings, longos planos sequência, ângulos desorientadores e planos picados que realçam a vulnerabilidade do ser humano, numa imagem que se encontra ao serviço da palavra. Produto de uma adolescência decorrida nos anos 60, De Palma manifesta fortes sentimentos contra a degeneração moral de uma América convertida em sociedade arrogante, movimentando suas películas num mundo corrupto, dentro do qual seus protagonistas tentam encontrar um marco moral que os ampare.

Parabéns Brian De Palma! És imenso!

E o Leão de Ouro vai para...

2007-09-10T08:24:00.000+01:00

"Mysterious Skin", de Gregg Araki

2007-09-08T08:44:00.000+01:00

Class.:

Anjos quedados

“Mysterious Skin” é a história de dois rapazes unidos implacavelmente por um acontecimento do passado. Brian (Brady Corbet) vive com um hiato na memória que lhe impede a recordação da causa que lesou sua alma. Neil (Joseph Gordon-Levitt) por seu lado, recorda cada ângulo da ocorrência que tomou controlo indelével sobre a sua vida. Se o tema da Pedofilia serve de base para as chalaças de um número considerável de comediantes, para Gregg Araki serve de ponto de partida para uma avaliação sóbria da sua verdadeira natureza e das suas consequências crónicas. Manipulando uma matéria delicada e obscura, Araki constrói um filme perturbador, mas tremendamente lúcido e pleno de toques subversivos sobre os ritmos narrativos do género. A obra não resulta de forma tão sumariada e manipulativa como uma exploração dos horrores do abuso de crianças. A sua meditação visa discorrer sobre algo mais amplo. Sobre a premência de ultrapassar obstáculos que nos impedem a formação enquanto seres viventes, pensantes e sensitivos. Pleno de compostura na realização, Araki humaniza as vítimas em vez do malfeitor, injectando-lhes nuances de complexidade que minam subtilmente a estampagem de histeria que filmes sobre a Pedofilia exibem. Seus interesses prendem-se com os laços emocionais, com a subjectividade da experiência dos molestados, com as oposições e simetrias que o trauma transmite e regista na memória. E para o alcance de um resultado tão notável, Araki contou com actuações inspiradas na dupla principal do seu elenco. Corbet tem um desempenho delicadamente equilibrado num estado titubeante, onde o alvorecer de cada dia fortalece uma noção de antecipação. Todavia, a interpretação avassaladora do filme pertence a Gordon-Levitt, um talento que além de revelar maturidade na triagem dos papéis que acolhe, emana uma energia intelectual tão espontânea quanto a sua paixão. As mutações que imprime em Neil, de adolescente altivo a vítima de assustadora vulnerabilidade são vertiginosamente reais. Em determinadas alturas, o seu olhar cerra-se em cortinas que cobrem praticamente todos os resquícios de um ser humano. Mas aos poucos e poucos, ele descobre-se mais e mais.

Personagens homossexuais são maioritariamente utilizadas em comédias burlescas, enquanto a temática da homossexualidade surge apenas trabalhada por autores concebidos em estúdios independentes. Contudo, aqui não existe o escape de uma história de Amor, nem o cinismo de uma propaganda conceptual. “Mysterious Skin” pulsa com uma autenticidade amarga, dolorosa e profunda. Cena após cena, o filme atinge uma profundidade que volta as costas à convenção, manifestando um coração no seu âmago que nos livra de mais um exercício de choque gratuito. “Mysterious Skin” adquire uma tonalidade etérea através da sua imagética, mas a respectiva textura luxuriosa que praticamente solicita o nosso toque humano, assenta o filme no solo firme da realidade. Mesmo quando sentimos um poder sobrenatural clamar pela ascensão dos espíritos torturados, os grilhões que os encarceraram nesta terra devassa puxam-lhes sempre para uma realidade de padecimento. O termo Abuso simplifica em demasia o que sucedeu com estes meninos e Araki explora a matéria com doses certeiras de corajosa honestidade e ambivalência. A trajectória do arco de sofrimento dos dois rapazes converge para um encontro onde as feridas terão de ser abertas, para a câmara poder ascender daquele tumulto emocional e desaparecer na noite do seu futuro. Nesta atmosfera não pairam condenações nem absolvições. Tudo se condensa em torno das revelações que poderão impulsionar a regeneração do tecido espiritual destas almas malogradas, cujas asas de pureza foram ceifadas.

My Soulmate

2007-09-07T08:44:00.000+01:00

Fotograma de “Mysterious Skin”

Ele: I wish there was a movie showing right now.

Ela: Me too... a film about our lives... everything that’s happened so far. And the last scene would just be us, standing right here. Just you and me.

Mashup #13

2007-09-06T09:06:00.000+01:00

E não é que zombificaram “West Side Story” de forma absolutamente genial?
Cliquem na imagem.

Curiosidade de pacote de cereais

2007-09-05T11:13:00.000+01:00

Na criação de “Ratatouille”, Remy foi desenhado com 1.150.070 pêlos espalhados pelo corpo, enquanto Colette possui 176.030 pêlos na cabeça, sendo que um ser humano tem em média cerca de 100.000 a 200.000.

Blog de um filme

2007-09-04T09:11:00.000+01:00

“Ensaio sobre a Cegueira”, um dos melhores romances do nosso José Saramago que será adaptado cinematograficamente pelo brasileiro Fernando Meirelles (“Cidade de Deus” e “The Constant Gardener”), ganhou um blog oficial, onde o próprio Meirelles como signatário, adopta uma linha bastante confessional. O romance é um retrato contundente da condição humana, mostrando-nos o desmoronar completo da sociedade que, por causa da cegueira, perde tudo aquilo que considera Civilização. Ao banir marcas de identificação espácio-temporal, Saramago faz do romance um espelho onde o leitor poderá mirar-se e reflectir sobre o seu papel, enquanto participante activo na construção da história da Humanidade. Existe igualmente uma supressão de identidade associada à cegueira que se espalha. Ao assumir que os nomes são desnecessários no relacionamento das personagens no hospício, fica implícita a trajectória que deveremos seguir, na descoberta (porventura dolorosa) do «eu» e do «outro».
Para conferirem o blog de “Blindness” (título oficial do filme), cliquem aqui.

Momento Zen

2007-09-03T08:45:00.001+01:00

"Ratatouille", de Brad Bird

2007-09-01T08:02:00.000+01:00

Class.:

Buffet de sensações

Partindo do princípio da Fábula (conferir Humanidade aos animais em histórias cujo desenlace reflecte uma moral), Brad Bird desenha relações temperadas pelos sonhos e ambições de Remy, um rato desajustado com a sua condição de animal desprezível, que ambiciona tornar-se um Chefe de Cozinha. Com uma narrativa que poderia muito bem servir um artístico filme independente, “Ratatouille” representa condignamente o supra-tema da Animação: o respeito pela diferença, radicalizado num ser tão repulsivo como o rato. Nem todos podem alcançar o estatuto de grande artista, mas a Arte surge onde menos se espera.

O que torna “Ratatouille” excepcionalmente delicioso é a forma como todos os seus ingredientes se fundem, demandando que o desgustemos como se de uma refeição Gourmet se tratasse. Tal como a receita mencionada no título, a humilde disposição de “Ratatouille” é confeccionada com uma bela dose de Amor. Contornando a regra geral dos estúdios jactanciosos de Animação, a obra realça um âmago intimista, prevalecendo como estudo de personagem e respectivo meio envolvente, em detrimento do espectáculo, da acção e da gargalhada fácil. É um filme repleto de valores de produção que não cai na ratoeira da extravagância CGI. Com a Pixar, nem os actores são seleccionados consoante o seu grau de celebridade ou com o intuito de preencherem cartazes publicitários com seus nomes. Os feiticeiros desta companhia nunca tombam na simplicidade do trilho mais acessível para a fama. Tudo é orientado em prol da qualidade e simplicidade de uma boa história. Não existe uma tentativa de criar o desenho mais fofo de sempre, nem passeia pelo filme um rato de mãos nos calções a assobiar, com silicone nas orelhas. As personagens que pululam pelo conto são roedores abjectos que ganham a nossa simpatia, porque para a corajosa Pixar tudo gravita em torno do tratamento concreto de questões humanas a partir de abstracções suscitadas pelo exercício de fantasia animada. A conquista da audiência terá de surgir a partir da interacção do mundo animado com as personagens e respectivas nuances comportamentais.

Os padrões exageradamente realísticos na concepção dos desenhos das personagens são ignorados em prol da ênfase que se pretende investir na movimentação e ambiência. E neste domínio de perfeição absoluta, a Pixar pulveriza concorrências no reino da Animação. Tal como os subúrbios de “Toy Story” ou o mar exótico de “Finding Nemo”, o pano de fundo é tão vívido quanto as personagens que o preenchem, permitindo uma liberdade de movimentos e perspectivas que esticam e contrastam para gerar múltiplas sensações, enquanto a sua imagética varre todo o nosso campo de visão. Cada fotograma é uma Obra de Arte. Um festim para os sentidos. Deambulando pela Cidade da Luz, do Amor e da bela comida, a fluidez de movimento gera sensações hipnóticas de magia, numa composição em ecrã largo que encerra inúmeros detalhes. Até Michael Giacchino, o compositor de serviço da brilhante série televisiva “Lost” e do anterior filme de Bird (“The Incredibles”), elabora uma trilha que nos transporta para a Paris clássica do Cinema. Boémia, bela e romântica, a cidade fica divinamente envolvida em traços Jazz, um ritmo que emana um espírito de liberdade. “Ratatouille” é também uma carta de Amor a Paris, uma cidade que adquire os contornos palpáveis de uma autêntica personagem. Um local instantaneamente familiar e infinitamente misterioso, que injecta profundidade emocional nos acontecimentos que acolhe. A cada novo filme, a Pixar eleva a sua própria fasquia, com animações cada vez mais expressivas, fluidas e emotivas como o estilo tradicional. A sua beleza é extasiante, repleta de sombras e texturas. Existe genialidade na manipulação de pêlo, água, fogo e alimentos, que parecem sempre quentes e saborosos em vez de frios e plásticos. Tal como Walt no período glorioso da Disney, Lasseter, Bird e restantes feiticeiros da Pixar compreenderam que o inimigo da inovação é a complacência. Em todos os projectos que abraçam, existe um mergulho no escuro que nunca torna a salvação um dado adquirido. Um desafiar dos limites que emerge a noção de que para a concepção de Arte magnificente é necessária uma união de artistas com a honestidade emocional necessária para estampar Humanidade na criação.

Assim como um bom vinho no seu estágio em garrafa, as obras da Pixar tendem a evoluir com o passar dos anos. Bem antes da rolha saltar e de sorvermos o néctar divino, já sabemos como um vintage se irá comportar no nosso palato. Contudo, existem sempre pequenas surpresas que elevam a experiência com memoráveis particularidades. Não existem cá piadas à cultura pop contemporânea, pois os desígnios da Pixar são tão intemporais como o Humor do Cinema mudo. Aqui entra a magia que “Toy Story” também manifestava quando os bonecos tombavam inanimados assim que entrava um ser humano no quarto. O grande charme de “Ratatouille” reside na relação entre Remy e Linguini (que apenas escuta guinchos quando o roedor abre a boca). Através de uma comunicação assente na troca de olhares e gestos, assistimos à evolução de uma sinergia que a fala poderia arruinar. Em “Ratatouille” não existem as vitórias e derrotas apregoadas na Animação, mas mudanças de percepção. Pena que exista ainda muita gente que encara a Animação como uma babysitter, nunca a percepcionando como uma forma de Arte. Com “Ratatouille”, Bird continua a reanimar o drama humano de “The Incredibles”, mas sem a fanfarra da acção que impedia os miúdos de se distraírem pelo caminho. Prevalece uma ânsia arrojada em desafiar e subverter as noções preconcebidas da plateia, incluindo suas ansiedades. “Ratatouille” não representa apenas a história de uma personagem com um sonho alucinado de vida, mas o retrato de um Artista que persegue de forma devota a sua Musa.

Beijo… te

2007-08-31T08:09:00.000+01:00

“The Fountain”, de Darren Aronofsky

Terapia sexual

2007-08-30T08:13:00.000+01:00

Por esta altura, Steven Soderbergh é o nome do realizador que meio mundo associa aos três “Ocean’s…”, “Traffic” e “Erin Brockovich”. Pessoalmente, sempre o louvarei pela sua primeira longa-metragem, um filme nuclear da década de 80 intitulado “sex, lies, and videotape” (sim, o cineasta prefere que o título seja grafado em minúsculas, ao contrário de Lynch com “INLAND EMPIRE”). Escrito em duas semanas e filmado em apenas cinco com um orçamento irrisório de 1,2 milhões de dólares, Soderbergh gerou uma obra sensual, irónica, inteligente e com desempenhos imaculados. Ann e John vivem um casamento monótono e praticamente assexuado. Sem que Ann suspeite, John tem um caso com a sua irmã Cynthia, mas todas as mentiras camufladas no relacionamento destes três emergem quando um antigo colega de John aparece na cidade. Graham (sublime James Spader), transportando igualmente seus peculiares segredos, irá forçar os outros na confrontação das verdades que os envolvem. “sex, lies and videotape” choca alguns e tilinta outros tantos, mas acho difícil a existência de algum espectador que não conecte com as silhuetas de comédia que desfraldam a excepcionalidade hegemónica de Soderbergh. A sua câmara é prodigiosamente espontânea no esquadrinhamento da trama de neuroses, medos e desejos que dominam suas personagens. O filme expõe os padrões mutáveis de políticas sexuais contemporâneas e a diferença entre Sexo e Amor. “sex, lies and videotape” desenvolve a problematização do sujeito hodierno de desejo, permitindo ao espectador-pensador ruminar sobre o espaço de criação inventiva que deve ser ocupado pelo Ser Humano no confronto de suas comunicações sexuais. Qualquer demonstração de vida sexual ou dos saudáveis impulsos de natureza lúbrica ainda são reprimidos numa sociedade civilizada por um clima cerrado e pluvioso de tabus. Talvez seja esta uma das razões pelas quais a maioria dos seres vive dissimulado consigo e com o próximo, envergando vestes de mentiras.

Uma banda sonora

2007-08-29T08:54:00.000+01:00

Foi divulgada a lista completa de músicas que irá compor a banda sonora de “Control”, cinebiografia do vocalista dos saudosos Joy Division, Ian Curtis. The Killers participam com uma cover de “Shadowplay” e os New Order (banda formada pelos restantes membros da banda de Curtis) contribuem com três instrumentais inéditos: “Exit”, “Get Out” e “Hypnosis”. A realização de “Control” pertence ao fotógrafo Anton Corbijn, a estreia no Reino Unido está marcada para 5 de Outubro e a trilha sonora será lançada no primeiro dia desse mês. Aqui fica o seu alinhamento:

New Order - "Exit"
The Velvet Underground - "What Goes On"
The Killers - "Shadowplay"
Buzzcocks - "Boredom" (live)
Joy Division - "Dead Souls"
Supersister - "She Was Naked"
Iggy Pop - "Sister Midnight"
Joy Division - "Love Will Tear Us Apart"
Sex Pistols - "Problems" (live)
New Order - "Hypnosis"
David Bowie - "Drive-In Saturday"
John Cooper Clarke - "Evidently Chickentown"
Roxy Music - "2HB"
Joy Division - "Transmission"
Kraftwerk - "Autobahn"
Joy Division - "Atmosphere"
David Bowie - "Warszawa"
New Order - "Get Out"

Hospitalizado

2007-08-28T08:09:00.000+01:00

Owen Wilson deu entrada no hospital da cidade californiana de Santa Monica com uma overdose de sedativos e ferimentos nos pulsos, após ter sido descoberto em casa por um parente. Apesar de inicialmente crítica, a sua condição estabilizou, tendo sido transferido para outro hospital a fim de ser submetido a um tratamento de desintoxicação. O actor era aguardado em Veneza para participar na apresentação do seu último filme, “The Darjeeling Limited”, de Wes Anderson. Sobre a aparente tentativa de suicídio, pouco importa especular. Resta esperar pela sua recuperação física e espiritual. Pela sanação dos problemas pessoais que o assolam.

Dissolve into molecules

2007-08-27T08:06:00.000+01:00

As férias anoiteceram. E por muito fantástica que tenha sido a estadia em Oz ou o sorriso lançado ao avistar Xibalba, o passado pertence ao passado. É com inolvidável prazer que sorvo o presente, regressando às vibrações terapêuticas deste meu recanto.

Some dreamworld we’re in

2007-08-03T08:16:00.000+01:00

Finalmente, eis o amanhecer das férias. Aquela altura do ano em que o tempo é mesmo nosso, ficando à mercê da nossa criação.

Até dia 27 de Agosto… Namaste!

El Topo

2007-08-02T08:12:00.000+01:00

A espera foi longa, mas depois de mestres contemporâneos como David Lynch, David Cronenberg e os irmãos Coen terem reafirmado a poderosa influência de Alejandro Jodorowsky na sua obra, a Anchor Bay decidiu lançar em Maio passado o DVD de “El Topo”. Realizado e protagonizado pelo próprio Jodorowsky em 1970, “El Topo” é uma espécie de Western alegórico, onde seres estranhos se cruzam num ambiente que subverte todas as regras de Tempo e Espaço. O misterioso pistoleiro El Topo e o seu pequeno filho peregrinam pelo deserto tentando esquecer o passado. Pelo caminho, deparam-se com estranhas adversidades, presenciando o resultado devastador de um massacre, encontrando maníacos sexuais, enfrentando mestres cujas fraquezas simbolizam o comportamento humano e sendo idolatrados por um clã de pessoas aleijadas e disformes. Nesta impetuosa região surrealista de Alejandro Jodorowsky, a colisão de elementos avant-garde, com simbolismo latino, radicalismo europeu e noções pintalgadas de Western gerou um fascinante objecto de culto. A fusão multi-cultural de cifras enigmáticas conferiu-lhe um estatuto intemporal que irá certamente despertar e revolver a consciência do cinéfilo mais atento, levando-o a reflectir sobre as repercussões que esta obscura e desconhecida pérola da Sétima Arte teve em muitas das suas obras de eleição.

HHH e Shu Qi

2007-08-01T09:43:00.000+01:00

Após convencer o mestre com magníficos desempenhos em “Millennium Mambo” e “Three Times”, Shu Qi volta a ser convocada por um dos melhores cineastas de sempre: Hou Hsiao-hsien. A sua próxima investida será no género Kung Fu e enquanto o filme ainda se encontra no seu processo de escrita, Hsiao-hsien já manifestou o desejo de encetar a produção antes do final deste ano.

O Eclipse

2007-07-31T14:37:00.000+01:00

Michelangelo Antonioni
(29/09/1912 – 30/07/2007)

Lágrimas e Suspiros

2007-07-31T08:34:00.001+01:00

(14/07/1918 – 30/07/2007)

A morte nunca efectua um Xeque-Mate definitivo em seres como Ingmar Bergman. A sua obra confere-lhe um estatuto imortal.

Momento Zen

2007-07-30T09:34:00.001+01:00

Der Himmel über Berlin

2007-07-28T08:12:00.000+01:00

Na gélida e devastada Berlim do pós-guerra, Anjos velam pelas almas perdidas que desesperam em silêncio. Um desses Anjos, Damiel, assiste às desventuras terrenas, mas não pode sentir as dores e alegrias humanas. Quando se apaixona pela trapezista solitária Marion (que encontra refúgio na música de Nick Cave), Damiel apercebe-se que não escapa incólume da sua condição divina, pois nutre um desejo que não consegue consumar. Para poder tocá-la, ele deverá deixar de ser Anjo, tornando-se humano e perdendo a sua condição imortal. “As Asas do Desejo” de Wim Wenders é uma fábula existencialista. Alguns aspectos do Cinema de Wenders equiparam a obra de Jean-Pierre Melville na justaposição de motivos dos filmes de autor de Hollywood e Europeus. Se a premissa de “As Asas do Desejo” poderá reluzir dramaticidade hollywoodesca, os motivos de Wenders assentam numa meditação dos temas do núcleo da literatura alemã: oposições de matéria e espírito, tempo finito e eternidade, concreto e abstracto, Este e Oeste. A alegoria também adquire proporções políticas da época do seu lançamento, mas o filme recusa gloriosamente existir num único horizonte cultural. Trata-se de um tributo celestial à Vida, ao Amor, à Poesia e à demanda da Alma por conexão. Pleno de virtuosidade técnica, Wenders funde imagem e som de forma divinamente sensual, criando sensações de dualidade entre o corpóreo e o espiritual. A câmara de Wenders, os Anjos e nós somos voyeurs, eternos espectadores da vida. Contudo, impera uma ânsia pela ruptura das correntes do voyeurismo e respectiva invisibilidade complacente. Um desejo por entender, assimilar e sentir o que espiamos. No fundo, comunicar com o que observamos. Tombar de um universo impassível, renascendo quedados na Alma de outro ser. Com esta obra elegíaca, Wenders esquadrinha ansiedades humanas alargando perspectivas sobre as feições mundanas da vida que nos rodeia. Enquanto deveremos plantar um pé no proveito do momento presente, o outro deverá estar firmemente assente no ninho da Eternidade.

Podófilo

2007-07-27T08:40:00.000+01:00

Serve este post como sequela do que escrevi no comentário a “Death Proof” e como espécie de complemento do post da Wasted Blues.
Durante o jantar num restaurante japonês de Los Angeles, uma fã pediu uma foto a Quentin Tarantino. Ele acedeu... desde que pudesse beijar e chupar o seu pé.

Meet me in Montauk

2007-07-26T09:39:00.000+01:00

Um artigo publicado no Jornal de Investigação Psiquiátrica revela que na Universidade de Harvard têm realizado pesquisas com propranolol, medicamento utilizado no tratamento de amnésia, para bloquear e tentar remover completamente memórias selectivas. A droga foi testada em 19 pacientes com vários tipos de trauma, desde violação a mortes familiares. Uns foram administrados com propranolol e outros com placebos. Segundo os investigadores, os caminhos bioquímicos que servem a memória daqueles que tomaram o medicamento, foram desbastados, removendo as memórias dolorosas.

Até que ponto será isto possível? Será uma transposição de “Eternal Sunshine of the Spotless Mind” para a vida real? Assim sendo, será este mecanismo saudável? Não serão as memórias responsáveis pela edificação da nossa essência/humanidade? Por mais dilacerante que sejam as mágoas e estigmas nefastos desta vida, não será a forma como lidamos e crescemos com os mesmos que carburam a nossa Humanidade?

You can erase someone from your mind...
Getting them out of your heart is another story

Finalmente... uma data

2007-07-25T10:00:00.000+01:00

“Southland Tales”, a segunda longa-metragem de Richard Kelly (“Donnie Darko”), tem estreia agendada nos Estados Unidos para 9 de Novembro. O filme toma lugar num ambiente futurista, no limiar do descalabro social, económico e ambiental. Boxer Santaros é uma estrela de acção que sofre de amnésia e cuja vida colide com uma estrela porno detentora do seu próprio Reality Show e com um polícia que guarda a chave para uma vasta conspiração. A música original pertence a Moby e na banda sonora constam os nomes de Radiohead, The Killers, The Pixies, Muse e Black Rebel Motorcycle Club, entre outros. Resta saber se Portugal irá receber nas salas de Cinema o filme que foi completamente trucidado pela crítica, na 59ª edição do Festival de Cannes.

Ora cá está ele!

2007-07-24T17:52:00.000+01:00

Cliquem na imagem para acederem ao magnífico trailer de “The Darjeeling Limited”.

Namaste

2007-07-24T09:02:00.000+01:00

Wes Anderson está de volta!
O poster do seu novo filme, “The Darjeeling Limited”, acaba de ser lançado e o respectivo trailer deverá sair ainda esta semana. Os detalhes sobre o mesmo ainda se encontram enevoados, mas consta que a história revolve em torno da viagem espiritual de três irmãos, após a morte de seu pai. Natalie Portman e Anjelica Huston também marcam presença no elenco e Setembro será o mês da estreia limitada por terras do Tio Sam.

"Death Proof", de Quentin Tarantino

2007-07-23T12:41:00.000+01:00

Class.:

Ponto Morto

“Death Proof” é a segunda parte do projecto “Grindhouse”, que apresentava “Planet Terror” de Robert Rodriguez na primeira parte. O projecto pretendia reviver as sessões duplas onde vigoravam os Exploitation-Movies de qualidade duvidosa, mas falhou redondamente no box-office americano, pois apesar da fanfarra de possibilidades, o público não conseguiu assimilar o conceito proposto, gerando atitudes tão caricatas como o abandono da sala no final do primeiro segmento, ignorando que iriam ser projectados dois filmes em separado. Os produtores decidiram então separar os segmentos e o filme de Quentin Tarantino foi distribuído na Europa em formato alargado. A ideia para desenvolver “Death Proof” surgiu quando Tarantino falava com um amigo sobre a aquisição de um carro. Ele desejava adquirir um Volvo, porque não queria morrer num acidente de carro, como aquele de “Pulp Fiction”. Então, no que diz respeito a segurança, seu amigo contou-lhe que poderia colocar qualquer bólide nas mãos de uma equipa de duplos, que por um punhado de dólares o transformariam à prova de morte. A expressão “Death Proof” fixou-se então em Tarantino.

Existe uma linha temática bem densa pela filmografia de Quentin Tarantino, mas “Death Proof” torna-a demasiado delgada. Não se perde o fio à respectiva meada, mas a exposição da brilhante tapeçaria que Tarantino tem para oferecer à Sétima Arte, encontra-se aqui tingida com algumas nódoas. A abordagem não é má, mas a sua execução é intermitente, caindo por vezes num precipício de forma e conteúdo. É certo que “Death Proof” é uma brincadeira com os filhos bastardos do submundo do Cinema, mas encontram-se referências em demasia ao que o próprio Tarantino já realizou, para não falar do seu cameo desnecessariamente longo. Já todos percebemos que é podófilo. Com grandes planos de pés, lambidelas e referências a massagens dos ditos cujos, já todos assimilamos a sua tara por pés. Mas esfregar continuamente o Grande Ecrã com estas situações, chega a ser tão enjoativo como o cheiro de chulé. Marcam igualmente presença as suas marcas (hamburgers Big Kahuna, por exemplo), melodias familiares em toques de telemóvel, a música "Misirlou" visível num relance da jukebox, o xerife e o filho nº 1, os Acuna Boys, as Vipers, texturas amarelas com riscas pretas e montes de diálogo mundano sobre praticamente tudo o que preenche a superfície terrestre. E é aqui que se começa a notar o fraquejar do melhor que o cineasta pode ofertar, mesmo inserido no tributo a um Cinema de fetichismo. Exceptuando breves exemplos, a maioria dos diálogos é de uma irrelevância pop atroz. As conversas tornam-se insípidas e não sustentam a relevância da penada de “Reservoir Dogs”, “Pulp Fiction” ou “Kill Bill”. Não existe um sentido de progressão apurado e as personagens femininas (descaradamente na primeira parte) são marionetas que abrem a boca para expelir frases de Tarantino. Meros chavões de moçoilas vãs, sem ponta de terreno fértil para desabrochar um palpável sentido de autenticidade.

Não existe durabilidade na profundidade que a exposição por vezes sustenta, todavia, quando se ultrapassam estes problemas de engrenagem, “Death Proof” dispara numa velocidade de ponta. Se é certo que Tarantino não se supera a si próprio, também não deixa de ser verdade que consegue capturar parte da essência dos filmes que deseja emular. Na estética central, o autor consegue cobrir um considerável raio de homenagens, desde valores de produção, caracterizações e relances temáticos. É na construção potente e explosiva da personagem central, que Kurt Russell permite Tarantino explanar toda a sua magia. Com uma cicatriz que atravessa o seu olho esquerdo, o mesmo que se encontrava tapado em “Escape from New York” de John Carpenter, Russell é absolutamente irrepreensível na sua interpretação. Com as suas Obras-Primas da década de 90, Tarantino colheu inspiração de filmes da década de 70 para apresentar vívidas, densas, apaixonantes e profundas observações. Contudo, existe uma forte diferença entre dar à audiência o que eles desejam e dar-lhes o que se deseja que eles desejem. Durante a maioria de “Death Proof”, Tarantino limita-se a copiar as inspirações, numa reciclagem banal. Os fãs inveterados e os espectadores que desconhecem os filmes que o cineasta aproveita, irão aproveitar bem melhor a viagem. Quem estiver familiarizado com os mesmos (ou parte deles), irá sentir o resfriar do ardor das reflexões pluralistas a que Tarantino nos habituou com suas homages. Mesmo assim, quando o homem entra em máxima rotação, segurem-se, pois o condutor Tarantino guia-nos pelas curvas e contracurvas de toda a sua destreza cinéfila. Quando deixa de parte as imitações corriqueiras, surgem referências com um elevado nível de perspicácia, como a cena do hospital, na qual o xerife se refere a Stuntman Mike como Frankenstein, aludindo ao filme “Death Race 2000”, no qual David Carradine desempenha um piloto (Frankenstein) que participa em corridas com o intuito de atropelar peões e somar o maior número de pontos.

Quando desponta o seu apurado sentido cool, o humor destorcido e a polpa do seu gore, entramos no verdadeiro reino Tarantinesco. A coreografia da perseguição final é exímia na criação de um sentido de antecipação e expectativa. A estocada final da personagem desempenhada por Rosario Dawson (Abernathy) é um magnífico apogeu de farra. E a banda sonora, como em qualquer filme de Tarantino, é um autêntico evento. Existe um seguimento conceptual em músicas que dispensavam perfeitamente um acompanhamento visual, mas que sob o jugo de Tarantino se tornam autênticos ícones. Se é certo que me diverti bastante (principalmente na segunda metade) com a folia de Quentin Tarantino, o meu desejo é que termine o recreio e volte depressa ao trabalho, arregaçando as mangas de cinéfilo para desconstruir géneros com a paixão que nos habituou, pegando em materiais existentes e elevando-os acima de níveis racionais. O seu engenho reside na forma como se apodera de elementos vulgares de filmes de baú, subvertendo-os em gloriosas composições. Ele domina a Arte do entretenimento com entusiasmo nostálgico e violência arrojada que o seu ângulo artístico torna vibrantemente humorística. Mas será que algum dia, Quentin Tarantino irá utilizar todo o seu enorme talento na edificação de uma obra completamente original? Ou será que “apenas” deseja ficar imortalizado como o autor das melhores homages de sempre?

Duck, hood ornament

2007-07-22T10:05:00.000+01:00

“Convoy”, de Sam Peckinpah (1978)

“Death Proof”, de Quentin Tarantino (2007)

Alice

2007-07-21T08:15:00.000+01:00

Com “The Last of the Mohicans”, Michael Mann defende que a luta selvagem não transforma homens em bárbaros, porque seus corações ainda fraquejam perante a chacina de inocentes. O sacrifício e a correria final pelo resgate de uma Mulher são momentos de poesia extrema, pois a força do homem não se avalia pela largura dos seus ombros, mas pelos braços que o rodeiam. A força do homem não se calcula pela potência de seus murros, mas pela delicadeza do seu toque, pela intensidade com que ama uma Mulher. A Mulher é colocada num pedestal, acima de tudo e todos, onde pertence. Um oficial que acaba de perder o Amor de uma Mulher para outro homem, ainda assim, sacrifica sua própria vida em prol da sobrevivência do homem que a Mulher do seu coração deseja. O Amor triunfa de forma pungente na paixão de Hawkeye (Daniel Day-Lewis) e Cora (Madeleine Stowe), mas reverbera de forma bem mais poética no subtil romance entre Uncas e Alice. É a sua face (e respectiva expressão) que ainda me assombra hoje em dia.

Sob a asa e o olho do Falcão

2007-07-21T08:14:00.001+01:00

Ausência de Memória

2007-07-20T08:18:00.000+01:00

"Paris, Texas", de Wim Wenders (1984)

"Den Brysomme mannen", de Jens Lien (2006)

Mashup #12

2007-07-19T09:16:00.001+01:00

Cliquem na imagem.

Spike Lee vai à guerra

2007-07-18T09:19:00.000+01:00

Spike Lee anunciou que planeia realizar um filme sobre a Segunda Guerra Mundial, evidenciando o papel de soldados afro-americanos no conflito. Lee disse: «Se observarmos a história de Hollywood, os soldados negros presentes na Segunda Guerra são completamente invisíveis. Isto é o verdadeiro paradoxo: negros que lutavam pela democracia mundial, em casa eram tratados como cidadãos de segunda». Longe de se acabrunhar perante um pouco de controvérsia, o brilhante cineasta também apontou algo a Clint Eastwood: «Há semanas, conheci um veterano negro que combateu em Iwo Jima, que me confessou o quão magoado estava por não ter encontrado um único afro-americano nos dois filmes de Eastwood (“Flags of Our Fathers” e “Letters from Iwo Jima”)». Esta picardia com Clint Eastwood já teve vários episódios. A sua primeira parceria com Denzel Washington, “Mo' Better Blues”, foi uma espécie de resposta ao filme “Bird” de Eastwood, que segundo Lee estereotipa o músico negro.

O projecto ainda não tem título, mas será focado na campanha italiana. Admiro grande parte da obra de Spike Lee. Aquela que demonstra o choque da comunidade negra passiva e satisfeita diante da boa convivência com os brancos, com a nova geração, que se quer impor como cultura, além de não se conformar com a discriminação velada. Além disso, considero “25th Hour” uma das obras máximas da última década. Autêntico Filme de Altar da Sétima Arte.

Será possível...

2007-07-17T10:15:00.000+01:00

… existirem filmes que nos conquistem o coração antes do seu lançamento?

La Science des Rêves

2007-07-16T11:31:00.000+01:00

Após rever em DVD o último filme de Michel Gondry, “La Science des Rêves”, permaneço longe, muito longe de o reprovar como a maioria. É certo que a narrativa não apresenta a coesão e o impacto emocional de uma penada do sublime Charlie Kaufman, mas encontra-se tão enraizada nos propósitos do filme que se torna impossível (para mim) criticar o cineasta. O nível intimista é tão vigorosamente perceptível, que apesar de menor, a obra torna-se indispensável na sua filmografia. Tal como em “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, a relação condenada serve de propósito para examinar a natureza da memória e da vida criativa. Pleno de autocrítica e adejando entre inefáveis fileiras de desenfreada imaginação, Gondry expõe a turbulência de suas entranhas criativas, dividida entre momentos de encantadora inocência e instantes de implosão neurótica que lhe afastam qualquer possibilidade de fusão emocional duradoura.

O jogo da Morte

2007-07-14T08:16:00.000+01:00

Fotograma de “Drowning by Numbers”

Sem vacilar por um instante, assumo peremptoriamente que o autor britânico que mais me fascina é Peter Greenaway. As vibrações do seu Cinema vogam do plano físico para o metafísico, do formal para o conceptual. Imaginem uma dissertação apaixonante sobre a história da Arte ocidental, aprofundada com agentes evolutivos da Arte contemporânea. Greenaway é tudo isso e muito, muito mais. Pela sua obra reluz a presença de elementos da Arte Barroca, numa composição de cenas e planos que se assemelham a pinturas. O seu interesse por Ópera (escreveu dez libretos) mesclado com os parâmetros estéticos da pintura exponenciam a experiência audiovisual, emanando um poder sensualmente diabólico e tão complexo que requisita várias deambulações para a absorção da sua opulenta densidade. "The Cook, the Thief, His Wife, and Her Lover" representa um dos meus Filmes de Altar, mas aquele sobre o qual se debruçam estas breves linhas de texto é “Drowning by Numbers”. Reflectindo inevitavelmente o artístico, bizarro e surreal palato cinematográfico de Peter Greenaway, o filme é sobre três mulheres de gerações diferentes que, para além de partilharem o mesmo nome (Cissie Colpitts), têm também um objectivo comum: afogar seus maridos. Fotografado maravilhosamente por Sacha Vierny, que já havia colaborado com Alain Resnais e Luís Buñuel, o filme recebe ainda a composição musical do brilhante Michael Nyman, que através de mecanismos de repetições subtis lapida a progressão simétrica da película. “Drowning by Numbers” é uma comédia negra revestida com ironia, que realça a obsessão humana por jogos. Durante o seu início esotérico, a possível sensação de inutilidade desvanece quando nos apercebemos da sua consonância no todo, porque nos encontramos na presença de um filme de Greenaway e porque este representa o primeiro de muitos jogos intelectuais, numa fascinante miríade de alusões e referências.

A partir desse momento, números de 1 a 100 despontam pelo filme, sejam formatados visualmente ou através de diálogo. A enumeração é uma das mais simples e primitivas formas de narrativa. Além do correspondente sentido de progressão, este mecanismo enfatiza a temática de jogo, convocando o divertimento da audiência na resolução desta charada. Esquadrinhando uma cornucópia de matérias, o filme resulta como uma verdadeira fábula para adultos revestida sob uma dissimulada camada de inocência. Belo e igualmente grotesco, o filme desnorteia e seduz com uma complexidade pictórica que enleva toda a sua carga poética e metafórica sobre jogos sexuais e jogos de morte. Repleto de perspectivas nada convencionais, todas as suas obsessões e frustrações interligam-se com memoráveis imagens que aprofundam a atmosfera de decadência moral, subvertendo a imagem tradicional de Inglaterra, retratando-a com vulnerabilidade e oculta em sombrias aparências de território estival. Estimulando a mente com uma teia de significados, objectos e símbolos, mergulhamos no oceano de possibilidades que o imaginário da água providencia nos filmes de Greenaway. Aqui, este elemento específico funciona como instrumento de morte, se bem que o cineasta também se apreste a mencionar a ambivalência da relação Água-Morte, aludindo à percepção comum da dependência da Vida na Água, na colocação de Torres de Água no segundo plano de certas cenas. Greenaway estabelece regras e depois deixa-nos brincar com seus jogos cinemáticos. Padrões desconcertantes começam gradualmente a revelar conexões, mas quando julgamos que o enigma se encontra resolvido, surge sempre uma nova mutação na tela, levando-nos a reconsiderar a verdadeira noção de analogia. No fundo, Peter Greenaway incita cogitações sobre a suspensão do Homem hodierno entre densidade e rarefacção, simplicidade e redundância, capacidade moral e equilíbrio intelectual, sensorial e conceptual. Pela sua obra perpassa a pujança dramática do jogo de luz e sombra que enobreceu o cinema narrativo dos anos 30 e 40. Utilizando o aspecto sensorial que o espectador absorve, Greenaway brinca deliciosamente com nossos valores e emoções, pintando a angústia da finitude.

Momento Zen

2007-07-13T09:19:00.001+01:00

Curiosidade de pacote de cereais

2007-07-12T09:34:00.000+01:00

Para tentar insuflar o clima de tensão entre os grupos de actores rivais em “The Outsiders”, Francis Ford Coppola forneceu roteiros bem encadernados aos Soc’s, colocando-os em luxuosos quartos de hotel, enquanto os Greaser’s foram brindados com um roteiro todo amarrotado e acomodações no piso térreo.

Curtas da Pixar

2007-07-11T09:26:00.000+01:00

Ainda não existe anúncio oficial, mas o rumor sobre um DVD compilando todas as curtas da Pixar parece ser mesmo verdadeiro. A imagem acima exposta foi encontrada na Blu-ray Disney. Ainda não existem mais detalhes, mas já me apresto a colocar uma questão: Será que a curta “Knick Knack” vem na sua versão original? É que aquando do lançamento de “Finding Nemo”, obrigaram a Pixar a reduzir o tamanho dos seios da rapariga de bikini e da sereia, minguando uma bela porção da piada originalmente concebida.

Lacuna capilar

2007-07-10T09:07:00.000+01:00

Fotograma do “Die Hard” original de McTiernan

Durante o quarto “Die Hard”, ver McClane agarrado à cauda de um avião a jacto já é o suficiente para me deixar estupefacto, mas vê-lo completamente careca é ainda pior. Porque é que Len Wiseman (realizador pobrezito) não poupou no CGI disparatado para investir na implementação de algum tufo na cabeça do protagonista? Parecia que estava a ver Butch Coolidge (“Pulp Fiction”) a correr de um lado para o outro…

P.S.: A presente ironia serve de pretexto para evitar disparar várias palavras de desagrado pelo filme realizado por Len Wiseman.

Stay with me

2007-07-09T10:51:00.001+01:00

I am with you… look!
I'll always be with you. I promise.

"Hot Fuzz", de Edgar Wright

2007-07-07T08:18:00.000+01:00

Class.:

Do Amor pelo Humor

A Cultura paga-se cara e digere-se mal em Portugal. Ser cinéfilo neste pedaço de terra à beira-mar plantado é difícil, dispendioso e doloroso. Difícil, porque qualquer indivíduo que resida fora do perímetro urbano (principalmente da capital) terá de se debater com uma série de condicionantes para visionar uma obra numa sala de Cinema. Além do número de cine-teatros ser reduzido por esse país fora, nenhum deles oferece a quantidade/qualidade de obras que as salas olisiponenses facultam. Dispendioso, porque desta forma os cinéfilos enamorados têm de percorrer dezenas de quilómetros para reconfortarem a sua Alma cinéfila, ou irem ainda mais longe, recorrendo à importação de DVD’s. Doloroso, porque esses cinéfilos aprendem a engolir tudo o que lhes surge num Grande Ecrã próximo do seu domicílio. Sem oportunidade de escolha, aprendem a deambular por vários géneros, colhendo muito lixo, mas assimilando igualmente Obras Máximas de géneros diversos. Aprendem a amar a Sétima Arte em todas as suas vertentes, porque é na percepção do que é lixo que aprendemos a contemplar a pureza da Arte. Doloroso, porque ainda existe quem não entenda que a Arte é Supra-Pessoal. Porque não existe respeito. Porque quando alguém declama a sua paixão por Bergman ou Tarkovsky é imediatamente rotulado de pseudo-filosófico. Porque quando alguém demonstra sua profunda admiração por Fellini, Dreyer, Ozu ou Bresson é imediatamente apelidado de empertigado. Porque quando alguém clama aos quatro ventos que (por exemplo) o “Die Hard” original de McTiernan é uma Obra-Prima, surge sempre um clã de vaidosos por vestes intelectuais torcendo o nariz à afirmação e olhando os restantes com desdém, como se fossem papalvos e como se fosse impossível brotarem relíquias cinematográficas de diferentes géneros. Doloroso, porque estamos inseridos numa decrépita rede de distribuição que escolhe a projecção de Scary/Epic/Date Movies em detrimento de preciosidades como “Shaun of the Dead” e “Hot Fuzz”. Como foi anunciado que Wright e Pegg iriam ser novamente ignorados pelas salas nacionais, decidi recorrer à importação do DVD de “Hot Fuzz”.

Depois da perfeição compacta de “Shaun of the Dead”, a paródia vibrante e a densidade das piadas da dupla Edgar Wright (realizador e argumentista) e Simon Pegg (actor e argumentista), volta a fazer-se sentir em “Hot Fuzz”. No meio cinematográfico, gerar um rebento cujo irmão mais velho é um sucesso de culto, torna-se um parto complicado. Como gerir o alarido? Enveredar por Hollywood e ser rotulado de vendido? Ou permanecer modesto e ser ignorado pela maioria do público? Com “Hot Fuzz”, Wright e Pegg acertam no meio-termo da questão. Tal como “Shaun of the Dead”, “Hot Fuzz” é uma paródia aos filmes e à vida quotidiana. O cidadão mais preguiçoso e irresponsável pode tornar-se um herói exterminador de zombies, da mesma forma que o emprego mais banal se pode revelar o mais profícuo. A história segue Nicholas Angel, um polícia tão bom nas suas incumbências, que faz os restantes colegas passarem por imbecis. Como resultado, seus superiores resolvem livrar-se dele, enviando o melhor polícia de Londres para a vila letárgica de Sandford. Com o supervisionamento das reuniões de vizinhança invertendo a acção do frenesim citadino, Angel luta para se adaptar à nova realidade. Todavia, uma série de acidentes misteriosos invocam a sua cautela, levando Angel a ponderar sobre o conceito idílico que havia formado sobre Sandford.

“Hot Fuzz” não uma paródia vulgar. É uma história lúcida em vez de um retalho de sketches brejeiros, povoada por personagens com dinâmica afectiva sob a roupagem caricatural. Cortesia da mesma equipa criativa que identificou similaridades entre zombies e frequentadores de bares, Wright e Pegg são autênticos deuses da britcom moderna – criadores da série “Spaced”. Desta feita, a sátira é personalizada para atingir os produtores de arsenais de acção hollywoodesca, visando a lei Bruckheimer, desde as respectivas carnificinas aos lampejos de relacionamentos homo-eróticos. “Hot Fuzz” é uma comédia inteligente que demostra a linha delgada que separa convenção de farsa e quando julgamos que os limites já foram todos explorados, Wright e Pegg elevam o nível absurdo entrando no reino da sublime jocosidade.

O cinema de Edgar Wright renova o género Paródia com violência, subversão, inteligência e uma bela pitada de suspense. Evitando enraizar-se profundamente na estirpe dos seus tributos, “Hot Fuzz” transcende suas influências para gerar uma distinta planta cinemática. O sentido de estilo é tão apurado que as piadas visuais até encontram paralelo no ritmo hiperactivo da montagem. A violência de Wright e Pegg não é uma visão do conceito americano de acção pelo prisma da sensibilidade britânica. A sua violência é uma janela para a vigorosa fantasia cinéfila, como se nas mais pacatas artérias britânicas encontrassem um pretexto para o glorioso desfecho de um Western. Este beliscar da imagem tradicional da Inglaterra representa o cunho do trabalho destes génios. Ao mostrar a insanidade de uma comunidade rural determinada a manter a sua imagem imaculada, “Hot Fuzz” revela-se uma parábola sobre a sociedade de costumes, encenando o choque entre uma sensibilidade antiquada e todo um universo contemporâneo que expõe suas disfuncionalidades. A despadronização contemporânea extinguiu a lógica de uniformização. “Hot Fuzz” satiriza com as percepções desvairadas deste enfraquecimento do conceito de sociedade e do novo estágio histórico do individualismo. Acima da representação de uma forma de entretenimento, o Humor é uma forma de comunicação humana que pode dissecar a própria vida e provar ser a chave para a compreensão de culturas e respectivos costumes. Na companhia do outro elemento deste triunvirato (o actor Nick Frost), Wright e Pegg demonstram saber quando parar uma piada. A equipa harmoniza piadas geniais, com chalaças absurdas, inteligentes, óbvias, oblíquas e gags que irão deliciar o espectador mais atento e conhecedor da obra anterior desta fabulosa equipa. Ao rirem de si próprios na exacta proporção com que riem dos outros, eles desbastam a textura de paródia e revelam afeição pelo género que gozam, enquanto expõem suas vertentes mais disparatadas. Eles não olham de cima para baixo o material com o qual gracejam. Wright, Pegg e Frost encaram suas inspirações de baixo para cima, compondo uma peculiar trova de Amor pelo género de Acção.

Ironia

2007-07-06T08:31:00.000+01:00

Fotograma de “Hot Fuzz”

A determinada altura em “Hot Fuzz”, surge um exemplar do DVD de “Shaun of the Dead” com o título que o filme recebeu em Espanha, “Zombies Party”. Como os portugueses não quiseram ficar abaixo do nível de parvoíce de nuestros hermanos, puxaram da cartola um título ainda mais deplorável: “Zombies Party – Uma Noite... De Morte”. Um dos pormenores que mais admiro no trabalho de Edgar Wright e Simon Pegg, prende-se com o facto de se divertirem a parodiar atitudes broncas alheias, enquanto também perdem algum tempo para gozarem consigo próprios: o preço do DVD tapa o rosto de Pegg.

Cornettos de sangue e farda policial

2007-07-06T08:29:00.000+01:00

Cornetto de Morango - "Shaun of the Dead"

Cornetto de Nata – "Hot Fuzz"

Never taken a short cut before?

2007-07-06T08:28:00.000+01:00

"Shaun of the Dead", de Edgar Wright

"Hot Fuzz", de Edgar Wright

Aquele sorriso

2007-07-05T08:33:00.000+01:00

Fotograma de “Donnie Darko”

Um sorriso passeia-se por momentos no rosto de Donnie, logo após soltar uma gargalhada ao destino. Inspira quietude. Desafogo. Paz de espírito. Donnie buscou por um significado no meio do caos, pela fundação da sua própria verdade quando inserido num mundo onde a mesma se encontra ausente. No fim da sua jornada existencial, tudo se encontra bem, apesar de uma lágrima em forma de turbina ser derramada pelos céus. A solidão já não faz parte da equação. Donnie aconchega-se por fim num coração repleto de Amor. O Amor, essa força motriz da interacção humana. Essa única energia capaz de rasgar tempo e espaço para transcender o caos.

Descubram as semelhanças #2

2007-07-04T10:45:00.000+01:00

“Anatomy of a Murder”, de Otto Preminger (1959)

“Clockers”, de Spike Lee (1995)

Que é feito disto?

2007-07-03T09:16:00.000+01:00

Em 2001, Richard Kelly alcançava um enorme prestígio profissional com “Donnie Darko”, uma meritória obra de culto de sublime execução. No ano transacto, com a fasquia da expectativa num patamar estratosférico, Kelly lançava “Southland Tales” em Cannes e era completamente enxovalhado (one-hit wonder, clamavam alguns críticos). Desde então, esta sua segunda longa-metragem permanece estranhamente encalhada. Uns dizem que o jovem cineasta decidiu reajustar o produto final para lançar um novo cut, mas com o elenco do seu próximo “The Box” a ser anunciado, será que “Southland Tales” se perdeu para sempre?

Se jie

2007-07-02T08:44:00.000+01:00

Se clicarem na imagem acima exposta (e aguardarem um pouco), irão aceder ao trailer do novo filme de Ang Lee: “Lust, Caution”.
Simplesmente arrepiante.

Ficção Científica dos Sonhos

2007-06-30T07:57:00.001+01:00

“Paprika” representa mais um fascinante tratado visual de Satoshi Kon sobre as conexões entre a Memória e a Identidade. Ambientado num futuro próximo, Kon apresenta-nos uma máquina de psicoterapia experimental que permite interferir nos sonhos e sanar problemas psíquicos, substituindo o relato oral pela intervenção directa do psicanalista. Quando a máquina é roubada por «terroristas de sonhos», uma perseguição frenética é despoletada, pois o que está em risco é a própria realidade. Num universo onde as regras se tornam voláteis, a linha que separa o real do onírico torna-se praticamente imperceptível. E é neste território recorrente que Satoshi Kon volta a desafiar a sua audiência. Ele é um batedor do subconsciente, das respectivas urgências e ânsias que regem por vezes o nosso quotidiano. Como animador, Kon compila os traços da vida real mais atentamente que muitos realizadores. Cada movimento, cada pedaço de lixo, cada agitação no vento, cada pestanejar é condensado sob elevada pressão, mas com uma fluidez perfeitamente adequada para deambular através de sonhos, tempo, fantasia e níveis da consciência. As permutas entre realidade e fantasia são fantasmagoricamente sublimes, reguladas pelas ilógicas peculiaridades que convertem abruptamente sonhos em pesadelos. Serão os sonhos fotografias do inconsciente que reflectem visões do que o espírito deseja? Existem inúmeras teorias sobre os maquinismos psicológicos e sobre as reacções sensoriais, mas a essência da nossa Humanidade permanece bem oculta no nosso âmago. É um território sagrado, o derradeiro refúgio que a ciência ainda não conseguiu enclausurar numa base de dados. Satoshi Kon desafia explorações na sua plateia, incita-a a testar novos conceitos, a esquadrinhar e reflectir sobre os territórios palpáveis e quiméricos que moldam a sua aura. Apesar do frenesim que se apodera da maioria dos momentos, “Paprika” não deixa de verter uma lágrima de nostalgia e remorso. Porque numa sociedade contemporânea que avança com descobertas tecnológicas que brotam como cogumelos, fica melancolicamente claro que se deixou algo enterrado para trás.

O meu actor de eleição

2007-06-29T08:36:00.000+01:00

Daniel Day-Lewis em “My Left Foot”

Finalmente, consegui visionar “My Left Foot” de Jim Sheridan, o único filme que me faltava ver de Daniel Day-Lewis. Existe um extenso rol de representantes da Arte Interpretativa que me fascinam e bem sei que a minha escolha se distancia das selecções da praxe, mas as composições deste actor comovem-me de forma absolutamente ímpar. Fico perplexo com a sua capacidade de transfiguração, com a aproximação cerebral e emotiva, com o seu raio de intensidade, com a rendição a uma psicologia distinta da sua, com a excelência das pronúncias, com os tiques etários, com o mimetismo facial, com a tensão de um olhar irrepetível que baila emoções, com as lágrimas desoladas de um baque penoso, com o sorriso espirituoso que afaga conflitos internos, com o ritmo do silêncio. Daniel Day-Lewis envolve-se nos papéis de forma assustadora, mergulhando tão profundamente nas personagens que as equipas de filmagem chegam a duvidar do seu regresso à “normalidade”. As histórias que mencionam as suas completas imersões são inúmeras e lendárias, desde a insistência em permanecer numa cadeira de rodas entre os takes de “My Left Foot”, a solicitar ser alimentado na boca durante o intervalo das refeições do filme que lhe valeu um Oscar. Neste filme, Day-Lewis interpreta Christy Brown, um génio que nasceu aprisionado num corpo horrivelmente limitado pela paralisia cerebral. O seu famoso pé esquerdo era a única parte do corpo que conseguia controlar. É com ele que salva a sua mãe, pinta, escreve, tropeça um oponente numa briga e tenta cometer suicídio. A interpretação de Daniel Day-Lewis é simplesmente assombrosa e duvido que alguém a consiga esquecer, depois de contemplar os constrangimentos de um corpo contorcido e o poder debilitado da sua fala. Ele não ilumina personagens. Ele dá-lhes vida. Ele imortaliza-as. Algo que sobressai na pós-reflexão das abordagens exaustivamente emocionais que leva a cabo é a subtil e metódica criação de um número suficiente de vazios, para que o espectador os possa preencher com a sua própria criatividade ficcional. No fundo, trata-se do derradeiro lampejo de lucidez artística. Aquele que assegura a imortalidade de uma personagem e de um filme, entregando a obra ao espectador vigilante.

P.S.: Convém sempre relembrar que Daniel Day-Lewis voltará em breve ao Grande Ecrã, no muito aguardado filme de Paul Thomas Anderson, “There Will Be Blood”.

Gargalhada matinal

2007-06-28T09:21:00.000+01:00

Nada como despertar para um novo dia de trabalho com boa disposição, cortesia de Michel Gondry, Jack Black e Mos Def. O novo filme de Gondry, “Be Kind, Rewind”, segue Jerry, um operário cujo cérebro fica magnetizado ao tentar sabotar uma central eléctrica. Um dos acidentes que provocará subsequentemente será a destruição dos filmes presentes no videoclube do seu melhor amigo. Acossado pelo sentimento de culpa, Jerry decide encenar todos os filmes arruinados para manter a única cliente da loja. Na recente imagem divulgada, podemos espreitar a recriação de “Driving Miss Daisy”.
Hilariante!

Afinal de contas...

2007-06-27T08:40:00.000+01:00

… para quando estão a pensar lançar isto nas salas portuguesas?

Primeira imagem de...

2007-06-26T09:06:00.000+01:00

... “Where the Wild Things Are”. Este será o próximo filme de Spike Jonze, o prodigioso autor de “Being John Malkovich” e “Adaptation.”. “Where the Wild Things Are” será a adaptação cinematográfica do clássico infantil de Maurice Sendak. A temática envolve emoções obscuras e invulgares na literatura infantil, nomeadamente no formato ilustrado. O argumento é assente nas consequências do comportamento endiabrado de um menino, utilizando o elemento fantástico. Certa noite, Max veste o seu fato de lobo e comete diversas travessuras (desde perseguir o cão empunhando um garfo). Após um raspanete de sua mãe que o apelida de «coisa selvagem» (Wild Thing), o petiz responde-lhe indecorosamente e ela envia-o para o quarto sem direito a jantar. Aí, Max dá azo à sua imaginação e converte o seu quarto num extraordinário cenário: um mundo povoado por criaturas selvagens que o coroam como seu rei.

O seu lançamento nos Estados Unidos está programado para 3 de Outubro de 2008. Para visionarem a imagem no seu formato original, cliquem aqui.

Momento Zen

2007-06-25T09:01:00.001+01:00

"Zodiac", de David Fincher

2007-06-23T08:21:00.000+01:00

Class.:

Obsessão erosiva

A filmografia de David Fincher chispa uma obsessão pela justificação da existência do Mal. São histórias cínicas sobre o cinismo do mundo, contadas cinicamente através de sofisticadas ligações criativas e gostos experimentais que retratam de forma negra a experiência humana. Cinematografando a árvore genealógica do medo, seus protagonistas comprimem-se nos obscuros bosques existenciais de um mundo absurdo e brutal. Tal ferocidade ressalta perdas (físicas e emocionais) e inseguranças da população, instigando (através da sua Arte) reflexões no progressivo extravio da nossa Humanidade.

“Zodiac” encarcera as ansiedades e contradições de uma era, cogitando nas sequelas pessoais e culturais de crimes reais. O assassino do Zodíaco surgiu nos finais da década de 60, servindo-se da imprensa para espalhar um clima de terror, forçando os jornais na publicação dos seus puzzles enigmáticos. A imprensa cedeu aos seus propósitos e subitamente uma espécie de histeria Sudoku despoletou. Lentamente, com a renovação de ameaças e crimes desconexos, este assassino tomou autenticamente um Estado como refém. Fincher foca-se nas vítimas colaterais e no esvaecer destes crimes hediondos na consciência pública. Enquanto “Se7en” pulsava a urgência da captura do criminoso, “Zodiac” esfria lentamente essa premência num monumento de irresolução, emaranhando-nos no trilho incoerente que deixou este caso por resolver.

Neste exercício cerebral de multiplicidade e nuances estilísticas, impera uma disciplina circunspecta que nunca eleva a voz narrativa, pois necessita de se fazer ouvido de forma clara e cuidada. Flutuam noções de obsessão, miopia profissional e institucional, evidências descuradas e o tipo de balbúrdia que acarreta teorias da conspiração. A exposição de “Zodiac” é vividamente assente na tradicional narrativa de três actos, mas subverte a trajectória convencional da mesma. O primeiro segmento esquadrinha a manipulação dos media, o segundo acto delineia os limites dos procedimentos da força policial. Quando chegamos ao terceiro sector do filme (o drama de Graysmith), o volume de informação atingiu píncaros de exaustão, numa manobra virtuosa que nos subjuga nas camadas de dados que assolam a personagem interpretada por Jake Gyllenhaal.

O argumento de James Vanderbilt possui uma coerência excepcional apesar da complexidade e pluralidade de eventos e figuras. O arco narrativo é pronunciadamente largo, mas a sustentação dos ritmos dramáticos assegurados por uma realização confidente e por um elenco idóneo garantem uma experiência magnética. Deslizando graciosamente pela claustrofobia dos corredores da obsessão, a fotografia de Harris Savides encontra-se imbuída na atmosfera crepuscular que vaticina o precipício que aguarda os intervenientes da história. Cada plano providencia a densidade textural que o bom digital pode proporcionar, pois o objectivo de Fincher não é escavar a intimidade de suas personagens, mas observar suas digressões funcionais quando sorvidas pelas ocorrências macabras. E apelidá-lo de insensível ou desumano é ignorar o Quadro Geral, pois “Zodiac” não é apenas um Retrato, mas principalmente um Panorama. “Zodiac” revela-se uma analogia ao mundo pós-11 de Setembro, onde o inimigo é específico, mas a sua auto-projecção confere-lhe uma omnipresença mediática que dificulta a sua apreensão. É uma parábola à Idade da Informação, onde assassinos usufruem dos media, disseminando pelos canais informativos a dimensão pestilencial dos seus crimes, gerando um mito.
Seremos todos permissíveis? Ou será que o processo de perda da nossa Humanidade já se encontra numa trajectória irreversível?

Degustando "Sideways"

2007-06-22T08:37:00.000+01:00

Por cada revisionamento de “Sideways” destilo um amor gradualmente inebriante. E não se trata apenas da minha faceta de enófilo a pender a balança das predilecções. “Sideways” comporta-se como um bom vinho no estágio em garrafa, evoluindo, refinando e desabrochando todo um bouquet de aromas aprazíveis. Não será esta metáfora, divinamente ajustada à Vida? Se aguardarmos demasiado tempo para abrir a garrafa, o referido bouquet poderá perecer, tornando o sabor desagradavelmente avinagrado.

Novidades sobre Woody Allen

2007-06-21T09:09:00.000+01:00

Sinceramente, espero que a falta de inspiração manifestada em “Scoop” seja coisa passageira para os lados de Woody Allen. Mas infelizmente, parece que esta recente quebra de inspiração também já afecta posters, como este cartaz para o seu próximo “Cassandra’s Dream”, que irá ser estreado no Festival de Veneza.
Entretanto, Woody confirmou o título do seu projecto espanhol que conta com Scarlett Johansson, Penélope Cruz e Javier Bardem. “Midnight in Barcelona” foi o primeiro título cogitado pelo cineasta, mas segundo confissões ao The Guardian, é bem possível que o modifique mais tarde.

Mashup #11

2007-06-20T08:56:00.000+01:00

E se os Goonies enfrentassem os Piratas das Caraíbas?...
Cliquem na imagem acima exposta.

Rudo y Cursi

2007-06-19T08:46:00.000+01:00

Como foi tornado público, Alejandro González Iñárritu, Guillermo del Toro e Alfonso Cuarón ergueram uma produtora (Cha Cha Cha). Dispostos a criarem impacto logo no primeiro projecto da companhia, o trio assumirá a produção do filme "Rudo y Cursi". O filme será escrito e realizado por Carlos Cuarón, irmão de Alfonso que participou no argumento do excelente “Y tu mamá también”. A película marcará o reencontro de Carlos com os actores Gael García Bernal e Diego Luna, que interpretarão dois irmãos futebolistas com personalidades radicalmente opostas. O filme já se encontra em produção e o ano do seu lançamento será 2008.

"Wall-E" – teaser trailer

2007-06-18T08:54:00.000+01:00

Num futuro onde os humanos moram numa nave espacial em órbita do planeta, apenas robots habitam a Terra, programados para a limpeza do lixo que cobre a superfície terrestre. Contudo, o programa de limpeza falha, deixando como único sobrevivente o pequeno Wall-E. Abandonado à solidão de um território inóspito, Wall-E acaba por se apaixonar por Eve, um robot que desce à Terra para averiguar os progressos da limpeza.
Para assistirem ao teaser do filme que a Pixar irá lançar em 2008, cliquem na imagem acima exposta.

Los Olvidados

2007-06-16T08:11:00.000+01:00

Sempre que recordo e revejo este filme de Luís Buñuel, minha alma estremece. Na minha humilde opinião, trata-se do melhor filme protagonizado por crianças, contudo, o cineasta não lamenta o sofrimento dos seus anti-heróis. Não existe uma posição de sensibilidade e sentimentalismo nobre, cultivada por filmes de mensagens liberais. A obra emana uma agressividade feroz que se impregna eternamente na memória. Por momentos pode transparecer ternura, mas sua beleza é fria e cortante como a lâmina andaluz que Buñuel utiliza noutra metragem para nos arrepiar. Apesar de ter mais de meio século, o filme mantém a sua relevância, abalando a consciência social no retrato de esgotos urbanos que brotam dramas fétidos. Este lancinante estudo da delinquência juvenil mexicana funciona como revelação intemporal e universal, com bravura suficiente para nos apontar cumplicidade e responsabilidades. É uma observação neo-realista de imagética inquietante, que nos suga pela sua beleza lânguida, amotinando percepções que o Homem deseja olvidar nos covis obscuros da sua metrópoles. As características pinceladas surrealistas de Buñuel surgem para alargar o conceito temático na hipnótica sequência do sonho que expõe as inseguranças do pequeno Pedro, abandonado pela sua própria mãe. “Los Olvidados” é uma Obra-Prima contundente que enleia doenças individuais e sociais num laço complicado de desatar. A certa altura, o pequeno Pedro olha para a câmara (para nós) e, enfurecido, arremessa um ovo contra a mesma (contra nós). Existirão poucos momentos de tamanha causticidade na História do Cinema. Repito: decorrido mais de meio século, este filme ainda sobressalta veementemente o cidadão escrupuloso. O pequeno Pedro tentava dizer-nos que Olhar não basta. Um Olhar nada resolve. Para espectadores passivos o pequeno Pedro deseja a cegueira. Sujeitos esses, que ignoraram a sua existência. Sujeitos esses, que ignoram a profundidade do abismo no qual a Humanidade poderá ver tombar seu Futuro (suas crianças). E que dizer da cena final que me escuso a revelar neste texto?
Aquele final paralisa-me…

"No Country for Old Men" – trailer

2007-06-15T08:59:00.000+01:00

Após o lançamento de alguns clips aquando da sua estadia no Festival de Cannes, o novo e elogiado filme dos irmãos Coen (Joel e Ethan) acaba de divulgar o seu trailer. A história segue um rasto de violência, originado quando um jovem veterano do Vietnam se apossa de uma mala com dinheiro de um negócio de droga, provocando uma autêntica caça ao homem. Ainda não existe data de estreia para o nosso país, mas para acederem a uma amostra tensa da obra em questão, cliquem na imagem.

Dark. Darker. Darko.

2007-06-14T08:49:00.000+01:00

[...]
All around me are familiar faces
Worn out places, worn out faces
Bright and early for the daily races
Going nowhere, going nowhere
Their tears are filling up their glasses
No expression, no expression
Hide my head I want to drown my sorrow
No tomorrow, no tomorrow

And I find it kind of funny
I find it kind of sad
The dreams in which I'm dying
Are the best I've ever had
[...]

O próximo de Gus Van Sant

2007-06-13T09:05:00.000+01:00

Recém-saído de Cannes com uma boa recepção ao seu “Paranoid Park”, Gus Van Sant já prepara o seu próximo projecto: a adaptação do romance clássico de Tom Wolfe, “The Electric Kool-Aid Acid Test”. A obra narra a saga verídica que o escritor Ken Kesey empreendeu na metade dos anos 60 com uma banda chamada Merry Pranksters, pelas estradas dos Estados Unidos, promovendo o LSD como instrumento para abrir as portas da mente. Utilizando ironia típica, a vaga psicadélica, a rebeldia hippie e o idealismo da revolução cultural, Wolfe gerou um retrato aprofundado da contra-cultura americana. Como curiosidade, resta acrescentar que Gus Van Sant sempre foi um fã de Kesey, a quem ofereceu um pequeno papel em “Even Cowgirls Get the Blues”. Aliás, o seu hipnótico “Gerry” (filme de culto por estas bandas) foi dedicado ao espírito do autor de “One Flew Over the Cuckoo's Nest”, romance que originou o famigerado filme de Milos Forman.